Infografía

 

Recorrido histórico del montaje cinematográfico

El montaje es la ordenación narrativa y rítmica de los elementos

objetivos del relato. El proceso de escoger, ordenar y empalmar todos

los planos rodados según una idea previa y un ritmo determinado.

Dicen los expertos que el cine es montaje, y no les falta razón.

En los inicios del cinematógrafo, los hermanos  Lumière o Thomas

Alba Edison se dedicaban a registrar con sus rudimentarias cámaras

cosas que les llamaban la atención. Plantaban su cámara, le daban

vueltas a la manivela y grababan. El cinematógrafo, así utilizado, no

tenía ningún futuro, y ellos mismos lo sabían y así lo hacían saber. Sin

embargo, hubo quien no estaba muy de acuerdo con aquel punto de

vista. Edwin S. Porter, ayudante de Edison, experimentó con la

película y pensó en contar una historia empalmando diferentes

escenas. Algunos no estaban seguros de que el público fuera a

comprender la progresión narrativa de la historia, pero funcionó.

No sólo todo resultaba comprensible sino que además se añadía una

fuerte componente drámatica, pues se podía manipular al espectador

para que experimentase diferentes sensaciones dependiendo de

cómo se realizara el montaje.  Los resultados fueron muy buenos y

con Porter dio comienzo la verdadera historia del cine. En los

siguientes 25 años todo quedaría establecido en lo referente al

montaje y, por lo tanto, en lo referente al cine.

Unos años después de Porter, D.W. Griffith se convirtió en el primer

gran cineasta. Estableció todas las reglas del montaje clásico que

dieron como resultado el concepto de montaje transparente. Su único

obejtivo era que el público no se diera cuenta de que la película está

montada, dando una sensación de continuidad cercana a la realidad.

Es el paso más importante a la hora de engañar al público haciéndole

creer que los acontecimientos se suceden continuadamente. Para

poner en práctica el montaje transparente es importante situar los

puntos de corte entre planos en movimientos de los personajes,

miradas y cualquier tipo de elemento que permita empalmar el

siguiente plano de forma que la acción parezca continuada. Debemos

tener en cuenta que la gran mayoría de las producciones

cinematográficas se ruedan con una única cámara, por lo que los

diferentes ángulos sobre los que se rueda una misma escena son

registrados sobre diferentes acciones que en pantalla deben parecer

una única. 

20 años después de la invención del cine Griffith dominaba a la

perfección su técnica y era capaz de presentar todo tipo de trucos de

montaje sin hacer que el espectador se perdiese. El montaje

transparente no es el único paradigma de montaje que existe. Todavía

en la época del cine mudo, los cineastas rusos tenían una concepción

del montaje totalmente diferente. Para los pioneros rusos

como Eisenstein o Vertov, el montaje debía ser palpable para el

espectador, pues debía quedar claro que se estaba viendo una

película y no la realidad. Eisenstein concebía el montaje como un

conflicto entre dos imágenes y así es como lo trataba en sus películas

que, dicho sea de paso, tenían un fuerte contenido ideológico. Sus

obras Acorazado Potemkin y Octubre son dos de las películas más

importantes del cine ruso. Vertov era un pionero que se dedicó a

experimentar junto a su esposa en su laboratorio; cortando y pegando

trozos de celuloide fue capaz de crear una maravilla visual que no

puede explicarse con palabras y que sorprende incluso 80 años

después.

Desde 1930, una vez que el sonido se había incorporado, todo lo que

se ha avanzado en el cine ha sido en la técnica fotográfica y los

efectos especiales.  El cine norteamericano se instauró como el

dominador mundial, parecía que el montaje transparente era la única

posibilidad a la hora de hacer una película por ser el más claro en

términos narrativos para el espectador.

Tuvieron que llegar los cineastas franceses de la nueva ola para

incorporar una nueva concepción del montaje, un montaje radical que

pretendía ser evidente sin que exista un objetivo oculto, salvo el de ir

contracorriente. Fue Jean Luc Godard quien lo inició en su película Al

Final de la escapada. A los teóricos del montaje esto no les gustó

demasiado y decía que Godard no tenía ni idea y que pasaba de todo y

lo que hacía lo hacía para ir contracorriente. Este tipo de montaje

entrecortado se llama jump-cut, y consiste en introducir cortes en un

determinado plano eliminando algunos fotogramas.

El cine norteamericano también se modernizó en cuanto al montaje.

Uno de los momentos importantes en la historia del montaje

cinematográfico es la película Bonnie & Clyde, que fue una

revolución

pues utilizó el montaje para llevar al extremo el impacto, utilizando

cámara lenta e infinidad de cortes al ritmo de los disparos de una

metralleta.

Así que a lo largo de la historia del cine es posible encontrar algunas

escenas cuyo valor dramático es obra del buen trabajo en el montaje.

Una escena creada en montaje, que no estaba pensada como resultó

pero que, gracias al trabajo del editor, se convierte en historia. El

juego de miradas es totalmente artificial, e incluso el gesto de

afirmativo de Bogart se rodó después para que todo cobrara sentido.

En la actualidad, en lo referente al montaje cinematográfico está todo

inventado, y mayoritariamente las películas se montan de forma que

el espectador no perciba los cortes de montaje. Sin embargo se

siguen utilizando algunas de las otras técnicas en muchas películas

para conseguir efectos dramáticos en determinadas escenas. Uno de

los directores más arriesgados en este sentido es Oliver Stone, que

pretende hacer creer al espectador que todo era material de archivo.